FOLCLORE EN EL NORTE

¿Cómo es el Folclore en el Norte?

Lo primero que se nos viene a la cabeza cuando oímos hablar de la música en el Noroeste de España es la Gaita. La gaita es de origen Celta y es un instrumento que se utiliza en el Norte desde hace más de 2 mil años.

·   En Galicia: Como bien hemos dicho antes, en Galicia el instrumento preferido por el público local es la Gaita, la mayoría de las veces acompañada por un tamborileiro. Además, son también bastantes conocidos los grupos de pandereteiras. Se habla también de los denominados "alalas", que según muchos comentan, proceden del canto gregoriano pero se le añaden interludios musicales. Estas composiciones anteriores, según muchos, tienen ritmos similares a las jotas, pero otros dicen que tienen ritmos procedentes de los grigos o los fenicios. Destaca también, en el ámbito Folk, la música celta, en la que podemos destacar los siguientes instrumentos: la Gaita gallega, la Gaita irlandesa, el Arpa celta y las Panderetas.   

 

·  En Asturias: Al igual que en Galicia, son abundantes las danzas circulares a ritmo de pandereta. Encontramos también música de estilo vocal llamadas "asturianadas", adornado con melismas. Por lo demás la música en Asturias es muy similar a la de Galicia, pues en ambas comunidades estos últimos años se están llevando a cabo gran cantidad de festivales de Folk Celta.

·   En Cantabria: presenta una gran variedad musical a lo largo de todos los valles de la Comunidad, donde podemos encontra desde paloteos hasta formas religiosas como los picayos, sin dejar de lado el pericote lebaniego o las jotas montañesas. En la música vocal destaca, entre las demás, la tonada montañesa, que suele ser una sola voz, a veces acompañada con una gaita. Una agrupación musical muy popular en Cantabria es el pitu montañes, formado por un dueto de clarinete y tamboril. El Folk en Cantabria no tiene tanto éxito como en Galicia o en Asturias, pero ultimamente se esta recuperando poco a poco. 

 

 En mi opinión, la música del Norte de España es muy bonita, ya no solo por como es, sino porque ha conseguido permanecer viva, a veces, desde hace miles de años, y eso es de apreciar.

Aquí puedes ver en acción a un grupo de música popular de Galicia. 

 

FOLCLORE ARAGONÉS

¿Cómo es la música popular en Aragón?

La música Aragonesa se caracteriza principalmente por estar acompañada de, forma abundante, de ritmos de percusión muy densos, seguramente provenientes de los Bereberes cuando estuvieron en la Península durante ocho siglos.

La zona aragonesa es conocida, sobretodo, por las jotas, abundantes además en casi todo el país. Se dice que las jotas nacieron en Aragón, y es por ello que en esta comunidad son un apoyo para todo tipo de celebraciones.

En las jotas Aragonesas podemos encontrar diferentes instrumentos, que además observaremos en las jotas de otras zonas, como las castellanas. Dichos instrumentos son las castañuelas, las panderetas, las bandurrias y las flautas, entre otros.

Además destacan entre las danzas el "paloteo" y "los dances", que suelen estar acompañados de dulzainas, flautas y los anteriormente nombrados. Destacan también otras danzas como algunos paso dobles, vals...

Durante los últimos años, se ha recuperado el estilo del Folk en Aragón, que se había perdido durante décadas, en beneficio de las jotas.

En mi opinión, la música popular aragonesa es muy atractiva, sobre todo porque es similar a la música castellana, la cuál llevo escuchando desde muy pequeño.

A continuación puedes ver unos vídeos de jotas aragonesas:

• Jota a la Virgen del Pilar: https://youtu.be/NenzQyS4Vck
• Jotas Variadas: https://youtu.be/2w1yuvaejvw

FOLCLORE ANDALUZ

¿Cómo es el folclore en Andalucía?

Como dije hace un par de días, esta nueva temática habla de la música popular en las diferentes partes de España, y en este caso es el momento de hablar de la música popular de una de las zonas más conocidas por su música y su danza en  nuestro país: Andalucía.

Cuando hablamos de Andalucía y su música lo primero que se nos viene a la mente es es el Flamenco, pero cabe destacar que no es más que el estilo más conocido de una cultura musical bastante variada. 

Como he dicho, hay más estilos musicales populares en este lugar, y algunos son los siguientes:

• El Fandango.
• Las Malagueñas.
• Las Saetas.
• Las Sevillanas.
• Las Seguidillas.
• Los Soleares.
• El Tango.

Además de estos estilos tan populares, cabe destacar la importancia del Cancionero Popular y el Romancero Popular con sus adaptaciones tanto a música "profana" como a música religiosa.

Los instrumentos más utilizados en el folclore son la Guitarra Española, el Flautín, el Tamboril y las castañuelas, además de la Panda de Verdiales (grupo de Violines, cuerdas percutidas y percusión), bastante popular por la zona de Málaga.

La zona de la Andalucía Oriental y Murcia tienen una música popular muy similar a la de la Andalucía Central, pero con diferentes variaciones.

En mi opinión, la música popular de Andalucía ha influido positiva mente en todo nuestro país, además de que es un gran reclamo turístico para todo el mundo.

A continuación puedes visitar algunos vídeos en los que se muestran algunos tipos de música popular de Andalucía:

• Flamenco: https://youtu.be/hBojV44uaiw
• Sevillanas: https://youtu.be/fuWIflZnw2I
• Saeta: https://youtu.be/mtk7ajMkdRw

Nueva temática del blog

Nueva temática: Folclore y música Popular en España.

Buenas tardes, esta entrada es tan sólo informativa, pues quiero anunciar que a partir de ahora, hablaré en mi blog sobre la música popular en España, también conocida como folclore. 

El Folclore es muy variado a lo largo de toda la geografía de nuestro país, sin embargo, hay muchas danzas y canciones populares en la Península que son similares, por ejemplo las jotas castellanas y aragonesas. 

Dicha música popular lleva extendiéndose en España desde el 1800 aproximadamente, pero podemos encontrar alguna que otra danza popular barroca; incluso renacentista. Pero estas se cuentan con los dedos de una mano.

Algunas características de esta música folclórica viene de hace miles de años, con algunas características celtas, íberas, romanas o griegas. 

Como bien he dicho antes, a partir de ahora, y hasta que finalice esta extensa temática del folclore, subiré entradas al blog de cada una de las músicas populares diferentes en la Península.

Anticipo ya, que en estos próximos días hablaré primero sobre el folclore y la música popular en Andalucía.

Hasta pronto y espero que esta nueva y extensa temática os guste.

Guido de Arezzo

La vida del hombre que cambió la música en la edad media

Guido de Arezzo fue un monje benedictino italiano, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media.

Nació en Arezzo (La Toscana) en el 991. Comenzó estudiando en la abadía de Pomposa cerca de Ferrara. Ingresó como maestro en la escuela catedralicia de Arezzo, donde sobresalió en la enseñanza del arte vocal y escribió su tratado principal, el Micrologus de disciplina artis musicae. Durante su estancia se percató de la dificultad de los cantantes para recordar los cantos gregorianos y es por eso que inventó un sistema mediante el cual los cantantes aprendían de manera sencilla y rápida. Este método pronto se hizo famoso en todo el norte de Italia. Sin embargo, la hostilidad de los monjes del monasterio le obligó a marcharse a Arezzo, ciudad que no contaba con abadía, pero tenía un numeroso grupo de cantantes con falta de aprendizaje.

Entre 1040 y 1050, Guido fue prior del monasterio de Pomposa, en el cual había madurado su vocación monástica y había vivido los primeros años como monje. Entre 1040 y 1042, Guido vivió en Pomposa con Pier Damiani, en la casa de los maestros de los monjes y novicios.

Falleció en el monasterio de Fonte Avellana en 1050.

Algunas crónicas afirman que fue beatificado inmediatamente después de su muerte, pero no existen certezas al respecto.

Obras y descubrimientos:

En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica. Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la). En aquella época solía cantarse un himno a san Juan Bautista que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban.

 El texto en latín de este himno rezaba así:

Nota	Texto original en latín	Traducción
Ut - Do Re Mi Fa Sol La Si	Ut queant laxis Resonare fibris Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti Labii reatum Sancte Ioannes.	Para que puedan exaltar a pleno pulmón las maravillas estos siervos tuyos perdona la falta de nuestros labios impuros San Juan.

Guido de Arezzo denominó a este sistema solfeo. Posteriormente, en el siglo XVII, Giovanni Battista Doni sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. También mucho más tarde, a finales del siglo XVI, fue introducida por Anselmo de Flandes la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de Sancte Ioannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de los países anglosajones, Alemania, los países escandinavos, etc. Probablemente, este método está basado en su trabajo en Pomposa, pero el antifonario que escribió allí no se conserva. Sin embargo, el Micrologus, escrito en la catedral de Arezzo, contiene el método de enseñanza que desarrolló.

El papa Juan XIX invitó a Guido a Roma. Posiblemente fue en 1028, pero pronto tuvo que volver a Arezzo debido a problemas de salud. No se tienen datos posteriores, tan solo que murió en el 1050 en el Monasterio de Fonte Avellana.

El Raro Estilo de Angus Young

El raro estilo del guitarrista más famoso del rock and roll desde los 70 hasta hoy.

     Angus Young es un músico Australiano conocido por su peculiar estilo tocando la guitarra eléctrica. Nació en el año 1955 en Glasgow, Escocia. Es el más joven de los hermanos de la familia Young, de ocho hermanos. En 1963 se mudó a Australia con sus hermanos Malcolm, George y Alex, donde comenzó a interesarse por la música, en especial por el banjo. Obtuvo su primera guitarra SG a finales de los 60. En el año 1973 formará junto con su hermano Malcolm el grupo de ACDC, comenzando así una gran carrera musical que parece no tener fin.

     Ahora bien, Angus no ha dejado de sorprendernos con un estilo peculiar que apenas ha variado desde sus inicios. Una de las características de este gran guitarrista es su vestimenta, desde sus inicios comenzó a tocar vestido con un traje de colegial debido a que en el colegio su profesor le dijo que nunca llegaría a ser nadie en la vida, y es por ello que Angus decidió vestirse a partir de ahí con un uniforme similar al que llevaba cuando el profesor le dijo aquello, que no hizo otra cosa que animar a Angus a seguir adelante con la música.

Vestimenta de colegial de ANGUS

     Otra característica fundamental de este "joven" guitarrista es el estilo sobre el escenario. Angus destaca por utilizar el "Andar de Pato" que comenzó a practicar en honor al gran músico  Chuck Berry, del que Angus era un gran fan. Dicho paso consiste en andar por el escenario tocando la guitarra, normalmente en solos, imitando la forma de andar de un pato.

Chuck Berry (izquierda) y Angus Young (derecha)

     Angus es conocido además porque siempre lleva,en los conciertos,calzoncillos con la bandera del país en el que está tocando. 

     Todas estas características peculiares no afectan para nada en su forma de tocar,es más, alimentan la riqueza de su música.

     El estilo de tocar de Young es bastante dirigido al blues, tocando con la escala menor y mayor de la escala pentatónica. Su estilo tiene además trucos no blues adicionales. En las primeras grabaciones de AC/DC se pueden escuchar power chords en canciones como "T.N.T" y en "It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)". También usa toques de Folk Escocés y toca un poco de blues.

a continuación puedes ver algunos vídeos de Angus y su peculiar estilo sobre el escenario:

• https://youtu.be/sfN2Hw5Cd3U
• https://youtu.be/J5pCgjdMWgM

     

ALBERTO IGLESIAS Y LA MÚSICA DE PELÍCULA

El compositor donostiarra recoge el Mikeldi de Honor en la gala inaugural de Zinebi, en la que también se proyectarán seis cortometrajes vascos a concurso y se presentará 'Puerto de Bilbao.

 

El compositor donostiarra Alberto Iglesias ha confesado que se siente "honrado" de recibir el Mikeldi de Honor de la 59 edición del Festival de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (ZINEBI). Un premio que, a su juicio, ha ido destinado "a gente valiosa" en el mundo del celuloide y que, en esta ocasión, también "enfoca la importancia de la música" y su peso narrativo.

     Zinebi ha querido reconocer, en el acto de inauguración del festival, su trabajo y toda su trayectoria, un Mikeldi de Honor que ha enmarcado en la "importancia de la música en la narración cinematográfica", lo que provoca que los espectadores se acuerden de una película y "de forma imborrable e inconsciente, les venga la música a la cabeza". La obra entera de un músico que, por su talento, ha potenciado el sentido dramático de las imágenes en movimiento y que ha sido capaz de poner la intensidad emocional de sus partituras al servicio de algunos de los grandes directores del cine. Entre ellos se encuentran Julio Medem, Iciar Bollain o Pedro Almodóvar, en el ámbito nacional; y, fuera de nuestras fronteras, ha colaborado con Oliver Stone, Marc Foster o Ridley Scott. Grandes nombres detrás de los que hay grandes largometrajes a los que ha inundado con notas y gracias a los que se ha alzado con 10 Goyas, tres nominaciones al Oscar y tres premios de cine europeos.

     Sin embargo, ha mantenido que se encuentra "en la mitad" de su carrera y ha argumentado: "el aprendizaje de tantos años no me hace sabio, sino que me deja en las puertas de nuevas experiencias". Nuevos proyectos entre los que se encuentra la película "¿Quién te cantará?", de Carlos Vermut que se estrenará en 2018 y también para el próximo año, compondrá la música de una película que rodará Iciar Bollain sobre ballet. Aunque ha añadido que dedicará tres o cuatro meses a completar piezas para voz que comenzó hace tiempo. 

     Sobre la inspiración, reconoce la importancia de Alfred Hitchcock en su carrera y que no tiene problemas "en invocar a las musas". "Procuro adoptar el papel de aprendiz y acordarme de la paciencia que hay que tener para componer una pieza", ha remarcado.

     En la misma gala de entrega del Mikeldi de Honor, que se celebra en el Teatro Arriaga, Zinebi ha programado la proyección de los seis cortometrajes vascos a concurso en la sección oficial del festival y presentará, en colaboración con la Filmoteca Vasca, "Puerto Bilbao" (1923), un documental de la época del cine mudo y casi desconocido sobre un gran temporal que azotó  a la costa vasca.

Aquí os dejo un enlace donde podrás ver la banda sonora de el jardinero fiel compuesta  por él

 

UN NUEVO TIPO DE TURISMO

 

La agencia Valenciana de Turismo ya está promocionando el turismo de festival

     Hay una cifra que resume a la perfección lo que suponen los festivales hoy en día, y es el resultado de unir en una misma suma a las principales citas musicales de la Comunidad Valenciana. Todas ellas contaron con más de un millón de asistentes y aportaron un total de 128,8 millones de euros. Sí, estos eventos se han convertido en un negocio fundamental en nuestro país, y en este camino, instituciones como la Agencia Valenciana de Turismo (AVT), se ha lanzado a promocionar sus propias marcas turísticas de festivales: Musix Festivals y Mediterranew Fest. 

     El objetivo de esta acción nace de la necesidad de promover la música en tierras valencianas y respaldar a los festivales más grandes de la zona, otorgando mayor seguridad jurídica a estos eventos. Este verano se apuntaba desde el departamento de Turismo de la Generalitat Valenciana que el objetivo era "hacer las cosas bien y todos con las mismas reglas". A su vez destacaban que festivales como el Arenal Sound habían llenado apartamentos y hoteles y generaban "muchísimo turista potencial para el futuro".

     En esta especialización, el secretario autonómico de Turismo de la Comunidad de Valencia, Francesc Colomer, mencionaba que el objetivo era unificar la estrategia de festivales y administración: "Los festivales nos internacionalizan, generan industria cultural y prestigio". De hecho, todos los eventos que participan en este sello tienen derecho a ser promocionados por la propia AVT y pueden sumarse a la línea de ayudas económicas. Eso sí, el acceso obliga a seguir un código ético con condiciones tales como las de incluir a artistas locales en el cartel o respetar a los vecinos.

 

    

      La realidad es que los valencianos representan más del diez por ciento de los trabajadores del sector turístico en España —los terceros después de Cataluña y Andalucía—. Un podio que también coincide con aquellos lugares que concentran el mayor número de festivales en nuestro país. Si analizamos pormenorizadamente los datos, descubrimos que entre los festivales que superan los 200.000 asistentes destacan dos citas valencianas: el Arenal Sound de Burriana y el Rototom de Benicàssim. Del casi un millar de eventos, solo los diez más grandes atraen a más de 1,6 millones de personas, y según estiman sus organizadores tienen un impacto económico que supera los 400 millones de euros.

LA MÚSICA DEL EXILIO

La arpista Cristina Montes abre el ciclo en memoria de los compositores españoles exiliados en la Guerra Civil.

En los tiempos más oscuros, es cuando la música encuentra su mayor reto: seguir hacia delante con su misión redentora de almas abatidas o rendirse ante el desastre y enmudecer. Salvador Bacarisse fue uno de aquellos compositores a los que la vida no se lo puso fácil. Fue miembro de una generación brillante que estaba encomendada a proseguir el luminoso sendero de un Falla que acababa su vida en el exilio argentino, de un Granados tragado por el mar cuando estaba en lo más alto de su carrera y de un Turina que se negaba a sí mismo tras no tener otra que aceptar encargarse de la música desde la política en el Gobierno de Franco. Pero Bacarisse es solo uno de muchos compositores españoles que vieron sus carreras truncadas por la guerra fratricida de 1936, compositores a los que ahora rinde homenaje con un ciclo la Fundación Juan March a partir de este miércoles.

Con Bacarisse en el eje central, el quinteto Moonwinds se alía este miércoles con la arpista sevillana Cristina Montes Mateo para comenzar a revivir aquellas obras que hablan de una España de la que poco hemos escuchado.

Más allá de los más conocidos, quizá los Halffter, este conjunto comenzará rescatando la memoria de Bacarisse, el hombre que desde una radio en París daba a conocer al mundo la música que en España debía haber sonado si no hubiese estallado la guerra.

Cristina Montes Mateo con su arpa

Un concierto realmente especial por un hecho singular: podremos escuchar tres obras de Bacarisse que, aunque parezca mentira, aún no se han estrenado en España. Hablamos de la Partita en Do Mayor Op. 80 para arpa, Introducción, tema y variaciones para clarinete solo y el Concerto pour le jour de l'an, para arpa y vientos. Una gran obertura para un ciclo de cuatro citas que promete mucho.

Pincha aquí si quieres ver una obra de Salvador Bacarisse.

Muere Fats Domino, pionero del rock and roll, a los 89 años

     El músico afroamericano ha fallecido este miércoles a los 89 años, después de una larga enfermedad, según ha confirmado su familia. 

     Exponente del rock and roll primigenio que se desarrolló en las tierras de Louisiana a partir de la herencia creole (francesa) y negra, Domino fue un pianista y cantante que influyó a varias generaciones de músicos, desde los Beatles a la generación punk.
        Desde su debut en 1949 con The Fat Man, sus discos cosecharon un notable éxito y contribuyeron a romper las barreras que las leyes de segregación habían impuesto entre la música de los afroamericanos y la de los blancos. Todo ello cristalizó con la llegada de Elvis Presley, quien tomó muchos de los elementos identificativos de la música de Domino para configurar la primera revolución del rock and roll. El uso de los pianos honky tonk, la visión más energética del rhythm and blues y la sensibilidad pop para hacer éxitos como Ain't That a Shame (una de las canciones favoritas de John Lennon) contribuyeron a afianzar su leyenda.
   Después de una larguísima carrera con altos y bajos, incluyendo un Grammy honorífico en 1987, Fats Domino regresó a la actualidad en 2005, después del Huracán Katrina que devastó Nueva Orleans, incluida su casa. El músico aguantó en su residencia con su casa, hasta que fue rescatado. "Lo perdimos todo", afirmó entonces, lo cual fue uno de los catalizadores del movimiento solidario tras el desastre natural. 

A continuación os dejo un enlace donde podéis a Fats Domino: https://youtu.be/xbfMlk1PwGU

la información la he extraido de:  http://www.elmundo.es/cultura/musica/2017/10/25/59f0a840e5fdea27158b45c7.html